L’image de l’objet est réinvestie, cette réactivation produit quelque chose d’analogue à une perception, le nourrisson remplace le visage absent par une hallucination. Erró, Miss. Thomas, à propos des publicités et autres spectacles télévisuels et cinématographiques que : « brader le mort en la mettant à toutes les sauces pour satisfaire le voyeurisme est sans doute une manière concluante de nier la mort : on la banalise en la réduisant à un fait divers dont la répétitivité désamorce le tragique » ou bien se rapprocher de M. Vovelle qui, dans l'introduction de la récente réédition de son ouvrage majeur La mort et l'Occident de 1300 à nos jours , n'hésite pas à affirmer « il me semble aussi que cet intérêt à la mort dans l'écrit, spectaculairement repris par les médias, la presse, la télévision, est une autre manifestation de l'ampleur de ce qu'il est convenu aujourd'hui d'appeler la demande sociale. Cette œuvre colossale du britannique d’origine indienne Anish Kapoor, … Le corps peut-être aussi bien celui de l'artiste que celui de n'importe traité comme matériau artistique.Ce colloque se propose d'interroger la question de la mort et du corps selon 3 axes :Axe 1. Théophile Gautier commente ainsi l’œuvre lors de sa visite au Salon de 1861 : « L’artiste a rendu avec une grande puissance cette stupéfaction profonde de l’idée devant le fait, cet abattement soudain de la résolution accomplie, ce haut-le-cœur féminin de l’héroïne en face de sa besogne sanglante ». Freud voit dans cette tête à la chevelure de serpents, au regard qui change en pierre celui qui se risque à le regarder, l’horreur que provoque la castration féminine tout autant que la puissance génitale de la mère (Cf. - l’œuvre d’art est sensée dans notre culture donner l’immortalité et serait un moyen privilégié de permettre la survie du créateur, de conjurer sa mort. Le facteur de répétition engendre un sentiment de ce genre, dans certaines conditions, certaines circonstances. Y-at-il continuité ou mutation dans la façon d'appréhender la mort et de la représenter ? En fait, il ne s’est pas brisé, simplement une mandibule est partie et deux dents ont sauté. Aujourd'hui les os ou squelettes, d'humains ou d'animaux, ne sont plus seulement l'objet d'une représentation. 3) Jean Joseph Weerts Assassinat de Marat 1880 : Ici la scène panoramique est composée en deux triangles aux couleurs contrastées, à gauche le monde des morts, statique, réunit Charlotte et sa victime à l’attitude théâtralisée très loin du modèle de David. La mort obscène devient en même temps extraordinaire aux deux sens du mot, extérieure à nos vies et hypnotique. La pulsion agressive est la descendante et la représentation principale de l’instinct de mort que nous avons trouvé à l’œuvre à côté d’éros écrit Freud (p.77). La pulsion de mort ne peut « être absente d’aucun processus de vie », elle se confronte en permanence avec l’éros, les pulsions de vie, écrit Freud dans les Nouvelles conférences d’introduction à la Psychanalyse (1933 et dans Malaise dans la civilisation : «  la lutte entre l’éros et la mort, entre l’instinct de vie et l’instinct de destruction, est somme toute le contenu essentiel de la vie » (p. 77). Quel est le sens ou la fonction de l'universalité de ce thème ? Les circonstances particulièrement favorables à l’émergence du sentiment d’inquiétante étrangeté seraient l’incertitude intellectuelle relative au fait qu’une chose soit animée ou non, ou lorsqu’un objet privé de vie prend l’apparence de la vie, un objet qui réveille des peurs infantiles ou un désir infantile ou une croyance infantile. 825 Vues. La création se situe à la jonction des deux pulsions fondamentales. L’artiste ne peut en effet supporter ce qu’implique le principe de réalité, c’est-à-dire le renoncement à la satisfaction pulsionnelle. 0 Recommandé. Dans une même logique de transmission entre visible et invisible, entre vie et mort. Leur travail sera donc étudié dans l’optique du corps mort porteur d’un message politique. L’Œuvre a toujours un espace resserré, la condensation s’établit entre des pensées qui ont été liées mais liées le plus souvent à l’insu du sujet. En 1981, Robert Badinter plaçait définitivement en France la peine de mort sur l’échafaud progressiste et humaniste. Tout est fait pour que la mort soit discrète et acceptable pour ceux qui restent. Un souvenir d’enfance de Léonard de Vinci en 1910, lui permettra de développer sa pensée, « la pulsion sexuelle est douée de la capacité de sublimation, c’est-à-dire d’échanger un but immédiat contre d’autres, non sexuels, éventuellement placé plus hauts sur l’échelle des valeurs » y écrit-il (p.81). nues, la première affirme que c’est avec le postmodernisme que l’art contemporain s’impose dans les années’80. On sait depuis que nombre des photos qui ont contribué à la « mythologie » du photo journalisme étaient truquées : ainsi la célèbre photo de Joe Rosenthal, prise en 1945 représentant six marines dressant le drapeau américain à Iwo Jima (le diptyque cinématographique de Clint Eastwood en déconstruit le mythe : Mémoires de nos pères/ lettres d’Iwo Jima). Est-ce parce que le curseur de la limite entre la vie et la mort s’est insensiblement déplacé que certaines représentations sont devenues possibles ? Entre attraction et répulsion, comme les peurs de l’enfance, c’est si excitant de se faire peur ! ». Certes, l’utilisation de cadavres ne date pas d’aujourd’hui, nombreux ont été les peintres qui étudiaient l’anatomie sur des cadavres, même lorsque les dissections étaient prohibées en raison de croyances religieuses (on peut citer Rembrandt, Léonard de Vinci, Géricault ). Mais ce que le texte social inclut pour l'exclure, et exclut pour l'inclure » De fait, analyser la mort au travers des objets, des pratiques et des constructions artistiques, permet d'appréhender la construction sociale de la mort et de sa matérialisation qu'est le cadavre. Détachée du corps, c’est une décollation, le corps est rendu invisible ( sentiment d’inquiétante étrangeté ?) La tête, le crâne, métonymies ou plutôt synecdoques (la partie prise pour le tout) sont-ils un symbole de la pensée vivante ? Les artistes, en interrogeant nos représentations, questionnent les limites réelles ou symboliques que nous avons construites pour tenir à distance la mort. L’Œuvre d’art est le résultat d’un travail complexe de transformation de la pensée qui obéit aux lois qui régissent le rêve. Mentions légales et conditions d'utilisation, Information publiée le 18 janvier 2007 par. Au Collège des Bernardins, 20 rue de Poissy, Paris 5e. Là où nous nous attendions à trouver une image connue, le corps morcelé réactive le refoulé, quelque chose de l’ordre d’une angoisse de morcellement, de même que la vision des têtes coupées nous fait retrouver un éprouvé archaïque enfantin devant l’inanimé : Je rappelle que selon René Spitz, la réponse par le sourire à partir du 2ème mois, 1er organisateur de l’appareil psychique, est la réponse à un pré objet, une gestalt privilégiée, constituée par le front, les yeux, le nez, le tout en mouvement; n’importe quel visage, pas seulement le visage de la mère bien que le bébé le discrimine déjà mais par d’autres stimuli sensoriels, mais un visage présenté de face et en mouvement. Le désordre du centre de la composition évoque une possible lutte, les nombreux détails sont documentés. La présence de la mort et du corps dégradé, si elle a pu être occultée ou détournée jusqu'à une période récente, car « depuis la fin du siècle dernier, subitement la mort s'est tue : la mort est devenue dans les sociétés occidentale […] l'obscénité par excellence, le mot que l'on ne doit pas prononcer, la chose que l'on ne peut évoquer » comme le montre L.V. « L’univers interne du créateur ressemble à un volcan, un volcan en ébullition qui ne cesse de cracher des flammes et des pierres, et qui, s’il s’arrête, provoquera une explosion » écrit Joyce McDougall (p. 14 ). Mais continue Freud, « la satisfaction que l’artiste trouve dans la création ou éprouve à donner corps aux images de sa fantaisie, est à la portée d’un petit nombre seulement car elle suppose des dispositions ou des dons peu répandus, en une mesure efficace du moins ». Œuvre qui ne montre « presque rien » et qui produit un effet inversement proportionnel, qui infère plus qu’elle n’exhibe. qui se posent dès lors que l'art se saisit de la mort et du cadavre.Le cadavre peut-il être un matériau de création comme un autre ?L'auto-torture ou l'automutilation de l'artiste comme performance.La question de la censure.La question de la propriété de l'oeuvre : le mort appartient-il à sa famille ou à l'artiste ?Cette liste est non exhaustive et des propositions autres, qui restent dans le cadre du colloque, sont les bienvenues.Afin d'engager un débat scientifique sur les questions soulevées autour de cette thématique, nous attendons des propositions de communication représentatives des différentes formes de création contemporaine (musique, théâtre, arts plastiques, littérature, web art, danse, cinéma, photographie, B.D., etc.). Chacun doit chercher par lui-même la façon dont il peut être heureux ». Cette main en gros plan, démesurée, imposante, l’empoigne, le sujet a encore le pouvoir (il a encore le phallus), il tord le cou à la mort. Résultats, idées, problèmes II p.49). Pour introduire le narcissisme et Pulsion et destin des pulsions) Même si bien sûr il ne se réduit pas à cela. Aujourd'hui les artistes contemporains l'abordent soit au travers de métaphores, de métonymies, par la représentation de rites liés à ce phénomène, soit, frontalement, par la mise en scène de cadavres ; à travers leurs oeuvres, ils interrogent nos pratiques et représentations - notre rapport social à la mort, que la société actuelle tente de réduire à un simple fait individuel -. L’esprit de l’artiste, identifié au geste, se projette au dehors et s’associe au spectateur, à celui qui regarde. Intrication d’Éros et de Thanatos. 4) Edvard Munch Meurtre (la Mort de Marat) 1906 : Ici le peintre fait de la mort de Marat une représentation de la lutte des sexes. Vision renouvelée d’une scène de théâtre où le fantasme agressif domine et que la lampe à huile allumée (référence religieuse à la lumière du Saint-Sacrement qui rappelle dans toutes les églises le martyr du Christ et la présence divine) ne suffit pas à tempérer. C’est le reflet qui en vient à bout, c’est dans son reflet qu’elle se laisse voir. Approches postocoloniales des littératures de genre (, (Re)penser les crises au prisme de l'exemple caribéen (Séminaire Afdec, en ligne), Des nuits aux nocturnes. C’est en s’associant à la représentation de mot que l’image mnésique devient véritablement consciente et s’organise en souvenirs. Je vous propose un exercice d’art comparé avec différentes représentations de l’assassinat de Marat présentées lors de l’exposition « crime et châtiment », traitements très différents de ce même épisode insigne de la Révolution : l’assassinat de Marat par Charlotte Corday le 13 Juillet 1793. Teresa Margolles rappelle que « la fonction de l’art n’est pas seulement de représenter le réel, mais aussi de le créer ». Ce n’est pas la mort que Mapplethorpe regarde fixement, c’est nous, accrochage au regard, à la vie du spectateur, « c’est dans ton regard que j’existe! L’artiste a intercepté l’ombre de sa main, sa trace parvenue jusqu’à nous. La peur du féminin double la peur de la mort, la tête vulvaire, phallique de Méduse doit être coupée pour qu’advienne une représentation. La pulsion est dite sublimée dans la mesure où elle est dérivée vers un nouveau but non sexuel et où elle vise des objets socialement valorisés » (Laplanche et Pontalis Vocabulaire de la Psychanalyse). Le crâne qu’il présente à l’exposition du musée Maillol est dit-il " un autoportrait à parti d’un scan, un travail plus direct, avant la mort sans attendre ce jour .". Quelques expositions cette année à Paris en ont été l’exemple : Exposition « C’est la vie, les vanités » au Musée Maillol, « Crime et châtiment » au musée d’Orsay, exposition « Deadline » au Musée d’Art Moderne, les deux expositions de Christian Boltanski, prochain français présenté à la Biennale de Venise en 2011 : Monumenta - Personnes au Grand Palais et « Après » au MAC/VAL. Elle est transformée, subissant un travail à la fois quantitatif et qualitatif. Les œuvres étaient soustraites au regard, dans des grottes où ne pénétrait pas la lumière du jour, renvoyées à l’invisible. Cicéron dans Tusculum IV définit le désir : « desiderium est libido videndi ejus qui non adsit » (le désir est la joie de voir quelque un qui n’est pas là). Certains artistes (particulièrement les artistes femmes) ont réussi à saisir la part archaïque des angoisses de castration, de destruction, avec parfois la prime de plaisir de l’humour. Le rôle de l’artiste est d’exprimer l’irreprésentable à travers l’œuvre d’art, ce qui se trouve « à la limite » de ce qui peut se représenter. Photographies, installations, vidéos du plus figuratif au plus conceptuel. Lors de l'émergence de l'art contemporain, une partie du monde sort tout juste de la Seconde Guerre Mondiale (1939 - 1945), le traumatisme et les conséquences laissent de grandes séquelles dans l'esprit des gens. Ces pratiques barbares mélangent la peur de l’autre avec le désir d’identification. La Corporalité dans l’art contemporain Ilinca Stoiciu Abstract La corporalité est signe d’une quantité, se traduisant par visibilité, matière, substance, forme, étant la manifestation de la présence physique du corps, et dans l’art contemporain cette corporalité réponde à des interrogations sur la mémoire, l’oubli, la mort, l’identité. Le motif de la tête coupée renvoie à la tête de Méduse. Nous faisons le constat d’une attitude tout à fait paradoxale de nos sociétés occidentales à l’égard de la mort. Rappelons que jusqu’en 1939, la peine de mort par la guillotine, était publique. Quant à la mort, Freud écrit dans les Considérations actuelles sur la guerre et sur la mort(1915, p143) : « La mort propre est irreprésentable et aussi souvent que nous en faisons la tentative, nous pouvons remarquer qu’à vrai dire nous continuons à être là en tant que spectateur. Par la représentation de chose, le représentant psychique est lié : « la représentation de chose capte, limite, transforme l’énergie pulsionnelle » écrit André Green. »Si le thème principal est la mort, le corps sera aussi traité, comme l'indique le titre, un e thème est double: c'est la mort mais aussi le corps, mais le corps souffrant (comme le body art), les performances sanglantes (dans la ligne de ce qu'ont fait les activistes viennois), la violence physique (au cinéma, dans les films gore, de guerre, policiers, etc., au théâtre avec la reprise de pièces comme Titus Andronicus ou le Grand Guignol), l'art trash. On peut rappeler les origines de la pulsion de voir : pour Freud le narcissisme est le lieu de naissance des désirs visuels inconscients (« dégoûté de la vie Narcisse tombe amoureux de sa propre image » Cf. Le désir de savoir a partie liée avec la pulsion scopique. Pulsion agressive, certes mais sublimée : ainsi l’image emblématique de l’exposition, les pieds et mains coupées de Géricault reprises en affiche, sont certes des pieds et des mains qui viennent d’une morgue et que Géricault a utilisés pour peindre son Radeau de la Méduse, mais leur figuration a nécessité un travail de transformation, avec une prime de plaisir pour le spectateur. Mais ce n'est pas le corps esthétisé, le corps en travail du sportif, le corps sain et en bonne santé pas plus que le corps handicapé. L'art contemporain Entre la Vie et la Mort Crucifixions, gisants, transis, sculptures funéraires, vanités, danses macabres... hantent l'art occidental. On peut reprendre l’idée de Freud que la disposition au bonheur est affaire individuelle, «  le bonheur est un problème d’économie libidinale individuelle. L’inquiétante étrangeté n’est rien de nouveau, d’étranger, mais plutôt quelque chose de familier depuis toujours à la vie psychique, et que le processus de refoulement a rendu autre (p. 194). Ce travail de la pulsion qui consiste à transformer l’excitation endosomatique en quelque chose de psychique est déjà une forme de pensée. Les détails anecdotiques sont présents (le billet de Charlotte, l’assignat et le billet sur la caisse à côté de l‘encrier, la plume fragile que Marat tient encore à la main), seules traces de violence : le couteau rougi tombé à terre, la blessure et le drap souillé. Partager; Partager sur Twitter + Mesurez le chemin – sans compter les cous tordus ou les têtes sectionnées par le passé. Cet ouvrage accompagne une grande exposition du FRAC Aquitaine autour de la thématique des fleurs dans l'art contemporain, avec les contributions d'artistes et de spécialistes tels que Gilles Clément, Starhawk, Emanuele Coccia. En s’éloignant trop de la sexualité, elle se dévitalise en quelque sorte. Pour illustrer ces assertions un peu théoriques, j’ai trouvé une vignette clinique parmi les vidéos présentées au Musée Maillol (et disponibles sur le site Internet de l’exposition Vanités) : Denis Lager, peintre qui travaille la représentation du crâne de façon assez obsessionnelle et assez classique, dans la tradition de Cézanne, interviewé par Elizabeth Quin qui lui pose la question de la « transcendance  dans son travail », question qui le laisse songeur . Si selon Kierkegaard la pensée pure échoue face à la question de l’existence, alors peut-être que ce qui procède de l’art peut réussir là où le raisonnement fait face à son incapacité, son impossibilité. La violence de l’œuvre, à défaut d’être réaliste, se fait symbolique. Nous sommes alors dans l’illusion qu’elle ne nous concerne pas puisqu’on ne peut mourir que de façon violente et par le plus grand des hasards, destin individuel, ou perspective inédite, générée par l’écologie, d’une disparition de l’espèce voire d’une destruction de la planète, dans une catastrophe qui anéantirait l’ensemble de l’humanité. La représentation de mot est indispensable dans sa liaison à la représentation de chose et à l’affect. La pulsion, définie par Freud comme un concept limite entre le psychisme et le somatique, est liée à la notion de représentant, sorte de délégation envoyée par le somatique dans le psychisme. A droite la foule hurlante, déchaînée, dynamique, les couleurs plus vives, prête à lyncher la meurtrière. Les oeuvres d'art contemporaines sont souvent remarquables par leur impact chez le spectateur. L'art contemporain désigne — de façon générale et globale — l'ensemble des œuvres produites depuis 1945 à nos jours, et ce quels qu'en soient le style et la pratique esthétique mais principalement dans le champ des arts plastiques.Dans cette classification, l'art contemporain … Pourquoi tant d'obsédés du motif ? Les acteurs de l'art contemporain africain tentent de résister. La pulsion primaire de dévoration conduit à s’approprier oralement l’autre, tandis que l’on décore le crâne sacrifié. – OROZCO Gabriel (né en 1962), Black Kites , 1997, mine de plomb sur crâne humain, 21,6×12,7×15,9 cm, Philadelphia Museum of Art. On pense que les premières images, avant l’invention des dieux ou parallèlement à elle, avaient pour les hommes préhistoriques, le pouvoir de les protéger du monde des esprits, du monde de la nuit. Le second ressasse la mort de l’art hégélienne : dans Le Complot de l’art (Libération, 1996) repris donc dans Écran total: « Dans ces innombrables installations, performances, il n’y a qu’un jeu de compromis avec l’état des choses, en même temps qu’avec toutes les formes passées de l’histoire de l’art. Dans cette vanité intense, la tête de l’artiste semble flotter en arrière-plan avec un léger flou. Freud (« Le tabou de la virginité » in La vie sexuelle pp.66-80) reprend l’histoire de Judith et avance que la défloration « délie une réaction archaïque d’hostilité contre l’homme ». C’est le reflet qui en vient à bout, c’est dans son reflet qu’elle se laisse voir. En dehors de la force et de l’intensité du processus créateur lui-même, les artistes sont des êtres violents, en ce qu’ils cherchent à exercer leur pouvoir sur le monde extérieur, c’est à dire à imposer leurs pensées, leurs images, leurs rêves ou leurs cauchemars » (p.12-13). J'ai donc choisi d'introduire cette partie avec deux oeuvres d'Otto Dix. De même, l’exposition DEADLINE présentée au début de l’année au Musée d’Art Moderne de Paris et rassemblant les dernières œuvres de douze artistes disparus ces vingt dernières années, jeunes ou vieux, mais se sachant malades et condamnés. 1880 : Ici la scène panoramique est composée en deux triangles aux couleurs contrastées, à gauche le monde des morts, statique, réunit Charlotte et sa victime à l’attitude théâtralisée très loin du modèle de David. Pulsion d’amour et pulsion de destruction s’intriquent car même si « ceux qui préfèrent les contes de fées font la sourde oreille quand on leur parle de la tendance native de l’homme à la méchanceté, à l’agression, à la destruction, et donc aussi à la cruauté «  l’agressivité constitue une disposition instinctive primitive et autonome de l’être humain » (Malaise dans la civilisation p. 77). Là encore on balance entre le trop voir ou ne rien voir. D’autres sont annoncées : par exemple une exposition « Mort que me veux-tu ? Tout est montré sauf les morts. Le spectateur est placé à l’endroit où le peintre imagine que la compagne de Marat découvrit la scène du crime. L’affect quant à lui est caractérisé par la quantité d’énergie qui vise à la décharge, le quantum d’affect qui donne la mesure quantitative de ce qui s’est passé endopsychiquement et qui a été traduit par le représentant psychique. les formes géométriques épousent la forme du crâne mais modifient la perception de celui-ci. Les réponses (acceptations ou refus) seront données fin avril.Les auteurs devront envoyer leur texte en fichier attaché, format Word, et préciser leur nom, prénom, statut, adresse mail.Les textes sont à envoyer à soldini@mmsh.univ-aix.fr et à sylvia.girel@wanadoo.frLe colloque aura lieu les jeudi 15, vendredi 16 et samedi 17 novembre 2007, au LAMES (LAboratoire MEditerranéen de Sociologie, UMR 6127) dans les locaux de la Maison Méditerranéenne des Sciences de l'Homme, à Aix en Provence. Ensemble ils créent le visible. Ce site explore donc le thème de la Mort dans l'art, à partir d'oeuvres où celle-ci se retrouve incarnée. Peine de mort dans l’art. Avec les progrès de l’imagerie médicale, le curseur de l’image de la vie et de la mort s’est déplacé. Mais depuis peu certains artistes abordent la mort plus frontalement, par la mise en scène de cadavres, transgressant les tabous en repoussant les frontières de l’acceptable en art, aux limites de la légalité parfois. Le sociologue anglais Geoffrey Gorer signe dès 1955 un article précurseur intitulé « la pornographie de la mort » où il montre comment, au XXème siècle, la mort a remplacé le sexe comme principal interdit. La création est toujours du côté du vivant ( même si on peut se demander si elle est toujours du côté de l’art). Il s’associe au cannibalisme qui perpétue la substance vitale, on consomme particulièrement le cerveau de la personne dont on veut assimiler la puissance.

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